Silvia Guerra - Artiste - Œuvres


ART ET ENVIRONNEMENT

Silvia Guerra, les oeuvres


Forêt sarde en automne


Maisons de campagne


Fille pour une promenade


Maison en construction


Madone de la forêt


Fille à la table du café


Interprétation du cheval de Troie de Tiepolo


Rêve d'un enfant


Fille en réflexion

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1825. Giovanni Fattori est né à Livourne le 6 septembre 1825.

Le père de l'artiste s'appelait Giuseppe tandis que sa mère Lucia Nannetti était de Florence. Rinaldo était le fils aîné et avait une relation très étroite avec lui. En fait, il avait 15 ans de plus que Giovanni et agissait presque comme son père. De plus, Rinaldo était propriétaire d'une entreprise financière dans laquelle son frère était déjà employé lorsqu'il était en âge d'aller à l'école primaire. Cependant, il a poursuivi ses études de base et sur le tas, il a appris à lire et à écrire.


Qui est Banksy: l'artiste de rue le plus mystérieux de tous les temps

On sait peu ou rien de lui.
Nous savons ce que lui-même veut que nous sachions.
Mais en même temps, nous semblons le connaître à fond, nous semblons le sentir proche.
Pouquoi?
Parce que Banksy avec ses œuvres a mis ses pensées devant nous sans si ni mais.
Parce que ses messages atteignent directement l'esprit et le cœur, laissant peu de place à l'interprétation.
Parce qu'il sait être direct, piquant, ironique, mais aussi sensible.
Le nom Banksy est un pseudonyme.

Personne ne connaît sa véritable identité. Personne ne sait qui est vraiment derrière ce nom.
Tout ce que l'on sait de lui, c'est qu'il est né à Bristol en 1974.
D'abord écrivain, il adopte ensuite la technique du pochoir pour ses œuvres, devenant aujourd'hui l'un des artistes de rue les plus connus au monde.
Au fil des années, le talent de Banksy a été de rapprocher le grand public du monde de l'art contemporain, grâce à l'immédiateté du message présent dans ses œuvres.
Des œuvres présentes dans le monde entier, qui traitent de sujets assez difficiles tels que égalité, discrimination, politique, culture et éthique et ils le font de manière satirique, à travers des images concrètes et immédiatement compréhensibles.
A tel point que son public est très hétérogène: enfants, adolescents, adultes… Tout le monde aime Banksy.
Ou du moins tout le monde, observant ses œuvres, en est en quelque sorte frappé.
Et ils en parlent.
Car même si son identité reste une inconnue ... Banksy fait parler de lui, mais surtout il fait parler ses œuvres.


Art et guerre: les gardiens de la paix de Shepard Fairey

Frank Shepard Fairey est devenu célèbre pour avoir incarné le président américain Barack Obama avec son style caractéristique. Il est né en 1970 à Charleston en Caroline du Sud et est un art de rue connu sous le nom d'Obey. L'affiche de 2008 qui l'a rendu célèbre s'appelle Espoir et est devenue l'image directrice de la campagne électorale qui a conduit à la présidence d'Obama. La technique graphique simple basée sur quelques tons contrastés est ainsi devenue son standard de communication.

Garde de la paix 2 c'est une image impressionnante représentant une femme soldat. La jeune femme en uniforme brandit une arme d'où sort une rose. C'est peut-être une citation d'un slogan des années 1960 qui invitait les militaires à mettre des fleurs dans la bouche des armes. «Mettez des fleurs dans vos canons» est une phrase qui apparaît également dans le texte d'une chanson des Giants, un groupe de musique italien des années soixante. La Révolution des roses a éclaté en 2003 et a abouti à l'éviction du président pro-soviétique Eduard Shevardnadze.


Indice

  • 1 Biographie
  • 2 Performance
    • 2.1 Rythme 10, 1973
    • 2.2 Rythme 0, 1974
    • 2.3 Rythme 5, 1974
    • 2.4 L'art doit être beau, 1975
    • 2.5 Thomas Lips, 1975
    • 2.6 Libérer le corps, 1976
    • 2.7 Libérer la mémoire, 1976
    • 2.8 Libérer la voix, 1976
    • 2.9 Imponderabilia, 1977
    • 2.10 Énergie de repos, 1980
    • 2.11 Cité des Anges, 1983
    • 2.12 Têtes de dragon, 1990
    • 2.13 Baroque balkanique, 1997
    • 2.14 Le héros, 2001
    • 2.15 Mambo à Marienbad, 2001
    • 2.16 L'artiste est présent, 2010
    • 2.17 La méthode Abramovic, 2012
  • 3 Catalogues et livres publiés en Italie
  • 4 Prix et remerciements
  • 5 honneurs
  • 6 notes
  • 7 Bibliographie
  • 8 Filmographie
  • 9 Articles liés
  • 10 autres projets
  • 11 Liens externes

Il est né à Belgrade, petit-fils d'un patriarche de l'Église orthodoxe serbe, plus tard proclamé saint. Les deux parents étaient partisans de la Seconde Guerre mondiale: son père Vojin Abramović (connu sous le nom de Vojo) [2] était un commandant reconnu, après la guerre, héros national sa mère Danica, major de l'armée, au milieu des années soixante a été nommé directeur du Musée de la Révolution et de l'Art de Belgrade. Marina reçut sa première leçon d'art de son père à l'âge de 14 ans: c'était le 30 novembre 1960 ayant demandé à son parent de lui acheter des couleurs, il se présenta à un ami qui commença par découper au hasard un morceau de toile, puis une fois couché sur le sol il y jeta de la colle, du sable, de la pierre concassée, du bitume, des couleurs variées allant du jaune au rouge, puis après avoir tout saupoudré de térébenthine, il plaça une allumette au centre de la composition qui s'enflamma et dit: "Ceci c'est le coucher du soleil ".

De 1965 à 1972, il a étudié à l'Académie des Beaux-Arts de Belgrade. De 1973 à 1975, il enseigne à l'Académie des Beaux-Arts de Novi Sad, tout en créant son premier performance. En 1974, elle était également connue en Italie, où elle a présenté son propre performance, Rythme 4, exposé à Milan, dans la galerie Diagramma de Luciano Inga Pin. En 1976, il quitte la Yougoslavie pour s'installer à Amsterdam. Dans la même année, il a commencé sa collaboration et relation (qui a duré jusqu'en 1988 [3]) avec Ulay, un artiste allemand. En 1997, il a remporté le Lion d'or à la Biennale de Venise avec l'exécution Balkan Baroque [4].

«Je regardais souvent les nuages ​​allongé sur l'herbe, et un jour ma vision a été soudainement interrompue par des avions, qui sont apparus de nulle part et ont laissé un beau motif dans le ciel. A ce moment-là, j'ai réalisé que tout pouvait être utilisé pour créer et qu'il n'y avait aucune raison de me limiter à la peinture en atelier [5] "

Rythme 10, 1973 Modification

Dans sa première performance, explore les éléments de la ritualité gestuelle. À l'aide de dix couteaux et de deux magnétophones, l'artiste joue à un jeu russe dans lequel des coups de couteau rythmiques sont dirigés entre les doigts ouverts de la main (le jeu du couteau). Chaque fois qu'il se coupe, il doit prendre un nouveau couteau dans la ligne de vent qu'il a arrangée et l'opération est enregistrée. Après s'être coupé vingt fois, l'interprète fait défiler l'enregistrement, écoute les sons et essaie de répéter les mêmes mouvements, essayant de reproduire les erreurs, mélangeant passé et présent. Essayez d'explorer les limites physiques et mentales du corps: «Une fois que vous êtes en état d'exécution, vous pouvez pousser votre corps à faire des choses que vous ne pourriez absolument jamais faire normalement» (Kaplan).

Rythme 0, 1974 Modifier

Performance qui a eu lieu au Studio Morra à Naples. Abramović se présente au public en plaçant différents instruments de «plaisir» et de «douleur» sur la table. On a dit aux spectateurs que pendant une période de six heures, l'artiste resterait passivement réticent et pourrait utiliser librement ces instruments avec n'importe quelle volonté. Ce test a été imposé dans un temps fixe selon une stratégie de John Cage, adoptée par de nombreux autres artistes performatifs afin de donner un début et une fin à un événement non linéaire.

Ce qui a commencé plutôt tranquillement pendant les trois premières heures, avec les participants tournant autour d'elle avec une certaine approche intime, puis a explosé en un spectacle dangereux et incontrôlé, tous ses vêtements ont été déchiquetés avec des lames de rasoir à la quatrième heure, les mêmes lames ont été utilisées pour lui couper la peau. et sucer son sang. Le public s'est rendu compte que cette femme ne ferait rien pour se protéger et il était probable qu'elle pourrait être violée puis un groupe de protection s'est développé dans le public et, lorsqu'une arme chargée était placée dans sa main et son doigt placé sur la gâchette, une émeute a éclaté entre le groupe des instigateurs et celui des proxénètes. En mettant son corps en état d'être blessé, voire mortel, Abramović avait créé une œuvre d'art très sérieuse: «Faire face à ses peurs par rapport à son corps» [6].

Rythme 5, 1974 Modifier

Le chiffre «5» dans le titre fait référence à une étoile à cinq branches. Deux étoiles ont été faites avec des planches de bois placées l'une dans l'autre. Avec ce travail, l'artiste a tenté d'évoquer l'énergie produite par la douleur, dans ce cas à l'aide d'une grande étoile imbibée d'huile, qui s'allume au début de la performance. Restant en dehors de la star, Abramović commence à se couper les cheveux, les ongles et les ongles des pieds. Une fois que chacune des opérations est terminée, commencez à jeter les coupures dans les flammes, créant à chaque fois une explosion de lumière. En brûlant l'étoile à cinq branches, l'artiste a voulu représenter le concept de purification physique et mentale, se référant à la fois à l'appartenance politique de son passé.

Dans le dernier acte de purification, Marina Abramović saute à travers les flammes, se poussant au centre de la grande star. En raison de la lumière et de la fumée émanant du feu, l'observateur ne se rend pas compte qu'une fois à l'intérieur de l'étoile, l'artiste a perdu connaissance en raison d'un manque d'oxygène. Certains membres du public ne comprennent ce qui s'est passé que lorsque les flammes sont très proches de son corps. Un médecin et divers spectateurs interviennent pour l'extraire de la star.

Abramović a commenté plus tard cette expérience: "J'étais très en colère parce que j'ai réalisé qu'il y a une limite physique: quand vous perdez conscience, vous ne pouvez pas être présent, vous ne pouvez pas jouer." (Daneri, 29 ans).

L'art doit être beau, 1975 Modifier

Pendant Ça performance, l'artiste se brosse les cheveux pendant une heure avec une brosse en métal dans la main droite et en même temps se peigne les cheveux avec un peigne en métal dans la gauche en répétant constamment "L'art doit être beau, l'artiste doit être beau" jusqu'au moment où il se coupe le visage et fait saigner sa peau.

Thomas Lips, 1975 Modifier

Dans cette performance, il explore les limites physiques de son corps à l'extrême, les dépassant même par une série d'actions. Il commence par manger un kilogramme de miel avec une cuillère en argent, continue en buvant un litre de vin blanc et en cassant le verre de sa propre main. Peu à peu l'action devient plus violente, et aboutit à des actes d'automutilation, comme l'incision d'une étoile à cinq branches que l'artiste pratique avec un rasoir sur le ventre: c'est une image très violente et brute qui devient une icône réelle et propre de art de la performance. Se référant à divers thèmes de la foi chrétienne et aux rites de purification et d'auto-punition, il se fouette et se couche sur une croix constituée de blocs de glace et, tandis qu'un jet d'air chaud dirigé sur son ventre fait saigner l'étoile gravée. , le reste du corps commence à geler. Les spectateurs, incapables de rester passifs face à une telle vision, interviennent en le sortant avec force de l'état de gel. La performance devient un dialogue, une relation directe d'action et de réaction, entre l'interprète et le spectateur qui ne peut rester inactif en étant témoin de l'action en personne et est donc psychologiquement contraint à réagir. La réaction du spectateur devient l'objet de la performance.

Libérer le corps, 1976 Modifier

Elle enveloppe sa tête dans un foulard noir et commence à bouger au rythme d'un tambour africain, danse jusqu'à ce qu'elle soit complètement épuisée et tombe au sol. La représentation dure huit heures.

Libérer la mémoire, 1976 Modifier

L'artiste reste assise la tête penchée en arrière alors qu'elle prononce tous les mots dont elle se souvient: elle parle principalement le serbo-croate, mais aussi l'anglais et le néerlandais. En récitant tous les mots stockés dans son esprit, il essaie de se débarrasser de la langue acquise comprise comme une convention de communication.

Libérer la voix, 1976 Modifier

Toujours dans le cours de ça performance, Abramović est allongée sur le dos, la tête penchée en arrière, de sorte que son visage soit parfaitement visible du public, ouvre la bouche et commence à émettre un seul son sans ton. Au début, cela ressemble à un appel à l'aide, puis devient plus introverti et plus tard, incontrôlé. Le sens de la performance se trouve dans la réponse instinctive au cri du public: la réaction du spectateur devient la performance elle-même. Puis sa voix faiblit, se transforme en respiration lourde et finit par mourir. Le physique s'est vidé et l'anéantissement du corps suit celui de l'esprit. Marina Abramović elle-même, dans une interview liée à ce travail, dit: «Quand tu pleures comme ça, sans interruption, tu reconnais d'abord le son de ta propre voix, mais plus tard, quand tu te pousses à tes propres limites, ta voix devient un pur objet sonore ".

Libérer le corps, Libérer la mémoire est Libérer la voix sont une série d'exécutions dans lesquelles Marina Abramović vise à purifier son corps et son esprit et à sombrer dans un état d'inconscience, puis dans la première, elle bouge constamment son corps jusqu'à ce qu'il s'effondre au sol dans la seconde, elle prend des mots de sa mémoire jusqu'à il ne se souvient plus de rien et dans le troisième il hurle jusqu'à perdre la voix.

Imponderabilia, 1977 Modification

En collaboration avec l'artiste allemande et son partenaire Ulay, Marina Abramović expose à Bologne à la Galerie d'art moderne le performance. Tous deux se tiennent nus de chaque côté d'une porte étroite qui permet l'entrée dans la galerie. Ceux qui veulent entrer sont contraints de passer entre leurs corps, décidant avec embarras de se tourner du côté du nu masculin ou du côté du nu féminin [7].

La même année, il réalise la performance Cuisine spirituelle qui inspirera plus tard le livre homonyme de recettes aphrodisiaques présumées et d'évocation spirituelle, qui impliquait l'utilisation de parties de bêtes mortes inhabituelles, telles que le liquide séminal et le sang de porc. [8]

Énergie de repos, 1980 Modifier

En collaboration avec l'artiste allemand et son partenaire Ulay, au MoMA, l'artiste a présenté l'un des performance qu'elle décrit elle-même «là où je ne contrôle pas». Là performance il est basé sur Marina brandissant un arc en face d'elle, tandis qu'Ulay tire la ficelle en tirant une flèche sur son côté visant le cœur de la femme. [9]

Cité des Anges, 1983 Modifier

Vidéo expérimentale de Marina Abramović et Ulay, produite par Michael Laub pour la télévision belge. Situé en Thaïlande dans la ville d'Ayutthaya, il ne voit la présence que d'interprètes thaïlandais, n'a pas de narration hors écran et le son est exclusivement en langue thaïlandaise. A l'intention de représenter la beauté du lieu et de ses ruines datant du XVIIIe siècle [2].

Têtes de dragon, 1990 Modifier

Assise immobile sur une chaise entourée d'un cercle formé de blocs de glace, l'artiste fait bouger sur son corps cinq pythons de 2, 3 et 4 mètres de long et privés de nourriture dans les deux semaines précédant l'exécution.

Baroque balkanique, 1997 Modifier

Performance tenue à la Biennale de Venise où l'artiste, assis sur des tonnes de cuisses de bovins, les nettoie de manière obsessionnelle pendant 6 heures et 4 jours, comme acte de dénonciation de la guerre en Yougoslavie [10] [11] [12].

Le héros, 2001 Modifier

Performance et vidéo en noir et blanc, durée 14'21 ". L'œuvre est dédiée au père de l'artiste, un soldat qui a combattu les nazis pendant la Seconde Guerre mondiale, décédé la même année que performance. Abramovic est assis sans expression sur un cheval blanc, tenant un drapeau blanc qui bouge avec le vent. Une voix féminine chante l'hymne national yougoslave en arrière-plan. La vidéo est en noir et blanc, pour souligner la mémoire du passé. Le drapeau blanc dans un contexte de guerre est un symbole de reddition et de fin des hostilités, le cheval blanc fait également référence au concept de paix, d'ailleurs dans ce cas il rappelle un épisode survenu pendant la guerre aux parents de l'artiste. [13] [14]

Mambo à Marienbad, 2001 Modifier

Performance au pavillon Charcot de l'ancien hôpital psychiatrique de Volterra [15]

L'artiste est présent, 2010 Modifier

Au MoMA de New York dans un open space où une table et deux chaises sont placées face à face, l'artiste assis regarde les visiteurs invités à s'asseoir. Là performance dure 736 heures [16] [17].

La méthode Abramovic, 2012 Modifier

performance a eu lieu à Milan au PAC de via Palestro. La "Méthode Abramović" est issue d'une réflexion que l'artiste a développée à partir de ses trois derniers performance: La maison avec vue sur l'océan (2002), Sept pièces faciles (2005) et L'artiste est présent (2010), des expériences qui ont profondément marqué sa manière de percevoir son travail en relation avec le public. Le public, guidé et motivé par l'artiste, est invité à vivre et expérimenter ses «installations interactives». Les œuvres avec lesquelles le public peut interagir debout, assis ou couché sont réalisées avec des minéraux et du bois [18]. L'expérience est faite d'obscurité et de lumière, d'absence et de présence, de perceptions spatio-temporelles altérées. Là performance il consiste à entrer dans le monde du silence, loin des bruits, à être seul avec soi-même et à s'éloigner de la réalité pendant quelques heures. Lady Gaga a participé à cette initiative en publiant une vidéo du performance.

performance d'Abramović au MoMA de New York L'artiste est présent de 2010, dont la préparation fait l'objet du film documentaire du même nom de Matthew Akers sorti en 2012 [19], est le thème de la publication Portraits en présence de Marina Abramović, où le photographe italien Marco Anelli capture 1 545 portraits à fort impact émotionnel du public avec l'artiste.


Raffaele Arecco est né à Celle Ligure le 7 septembre 1916 d'Antonio, ébéniste et Caterina Arecco. [2]

Très tôt dédié au dessin, il a été confié par son père au professeur Giorgio Aicardi de Gênes qui, après avoir observé certaines de ses œuvres, a déclaré: «Je n'ai rien à enseigner à ce garçon». Après son service militaire, Arecco a poursuivi sa formation autodidacte en expérimentant de nouveaux contenus et de nouvelles formes techniques et en exposant occasionnellement dans son village natal. Parmi ses sujets les plus connus: les pêcheurs ont l'intention de répartir le poisson qui brille entre les filets, et les cueilleurs d'olives. [3]

Vers la fin des années 1930, une importante rencontre marqua la vie artistique d'Arecco avec Enrica Spotorno, une galeriste bien connue, propriétaire de la galerie Spotorno de la Via della Moscova à Milan. [4]

C'était les années 40, une période où l'artiste s'éloignait de plus en plus du figuratif et où apparaissaient des titres inquiétants pour des œuvres visionnaires, désenchantées et prophétiques. [4]

Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, il fut enrôlé dans l'armée royale. Après avoir vu les horreurs de la guerre, il retourna à nouveau en Ligurie.

En 1952, il a participé avec succès au VI Quadrennial of Sacred Art à Rome. [5] L'année suivante, la prestigieuse Galleria Bergamini de Milan a organisé une exposition personnelle où le travail d'Arecco était apprécié par d'importants représentants du monde de l'art. [6]

Face à la nécessité de déménager dans la capitale lombarde pour obtenir une plus grande visibilité, il a cependant décidé de ne pas quitter sa ville natale, où il continuera à exercer son activité. [7]

Il est décédé dans sa ville natale en 1998 des suites d'une maladie douloureuse. Il a été très apprécié par certains historiens de l'art qui l'ont défini comme un "Paul Klee"plus mature et plus classique. [1] [2]


Les invalides de la Seconde Guerre mondiale par Otto Dix

Otto Dix était un artiste allemand représentant le courant allemand de la Neue Sachlichkeit (nouvelle objectivité). À la fin de la Première Guerre mondiale, les artistes européens se sont éloignés des expérimentations des avant-gardes artistiques. Le futurisme et le cubisme en ont payé le prix. En Allemagne, l'expressionnisme a également été rejeté comme étant excessivement subjectif. Malgré cela, dans les images de critique sociale d'Otto Dix, telles que Invalides de guerre cartes à jouer une certaine déformation d'inspiration expressionniste survit.

Dans le tableau de 1920, l'artiste documente la triste réalité des invalides de guerre et les excès amoraux de la société d'après-guerre en Allemagne. Les difformités qui apparaissent sur les visages des vétérans sont également réelles et n'expriment pas seulement leur chute éthique. En fait, de nombreux soldats ont subi des blessures défigurantes, même au visage, qui ont déformé leurs traits. Ensuite, de nombreuses entreprises se sont consacrées à la production de masques et de prothèses faciales pour les blessés de toute l'Europe. La sculptrice française Marie Marcelle Jane Poupelet a prêté son travail précisément pour améliorer ces masques reconstructeurs. Le tableau d'Otto Dix est situé à Berlin à la Neue Nationalgalerie.


Vidéo: Exposition Virtuelle des Médecins Artistes 8 Mars 2021


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