Cristina De Biasio - Artiste - Ses oeuvres


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Les 10 œuvres d'art dont on parle le plus depuis vingt ans

Les dix œuvres qui ont marqué l'art du nouveau millénaire.

Les œuvres d'art ont toujours amené les gens à discuter, à créer des désaccords, à bouleverser l'opinion commune ou à se heurter aux directives des puissances dominantes ou aux coutumes d'une société, jetant la foudre dans un ciel clair, ou allumant des lumières là où l'obscurité règne en maître, offrant un espoir. de vision, une possibilité de salut émotionnel. Rappelez-vous juste L'origine du monde par Gustave Courbet (1866), la Fontaine par Marcel Duchamp (1917), Guernica par Pablo Picasso (1937), La merde dartiste de Piero Manzoni (1961), les photographies de Nan Goldin et de nombreuses autres œuvres qui ont lancé des visions jamais imaginées auparavant.

Alors, quelles sont les dix œuvres qui ont suscité le plus de discussions ou qui ont été particulièrement significatives au cours des vingt dernières années?


Indice

  • 1 Biographie
    • 1.1 Naissance et formation
    • 1.2 Les premières commandes importantes à Venise
    • 1.3 La rencontre avec Joseph Smith
    • 1.4 Transfert en Angleterre
    • 1.5 Le retour à Venise et ces dernières années
  • 2 Critique
  • 3 Travaux principaux
    • 3.1 Début
    • 3.2 Période de maturité
    • 3.3 Peintures anglaises
    • 3.4 Les dernières années
  • 4 notes
  • 5 Bibliographie
  • 6 Autres projets
  • 7 Liens externes

Naissance et formation Modifier

Il est né à Venise par Bernardo ancien Canal Cesare et Artemisia Barbieri. Il y avait une famille Canal attribuée au patriciat, mais n'avait presque certainement aucun lien avec celle de Giovanni Antonio qui, cependant, était d'une riche extraction [1]. Le surnom de "Canaletto" lui a été donné pour le distinguer de son père, qui était aussi peintre (de décors de théâtre), ou peut-être pour sa petite taille [1].

C'est par son père que le jeune Giovanni Antonio a été initié à la peinture. Comme son père, son frère aîné, Cristoforo, s'occupe également de la peinture de toiles de fond pour le théâtre. Antonio commence ainsi à collaborer avec son père et son frère et les premières commandes, en 1716, concernent la création des décors de certaines œuvres d'Antonio Vivaldi. Entre 1718 et 1720, le jeune homme s'installe, avec Bernardo et Cristoforo, à Rome pour créer les scènes de deux pièces de théâtre d'Alessandro Scarlatti.

Le voyage à Rome a été décisif pour Giovanni Antonio Canal car il a eu ses premiers contacts avec les peintres paysagistes de Rome. En particulier, ses modèles de référence sont trois artistes importants qui ont expérimenté le genre de la vue: le premier est Viviano Codazzi, qu'Antonio ne peut pas connaître de son vivant car il est mort en 1670, le second est Giovanni Paolo Pannini, célèbre pour ses vues fantastiques, beaucoup d'entre eux s'inspirent des antiquités romaines, et le troisième est Gaspar van Wittel, hollandais, considéré comme l'un des pères de la peinture de paysage.

Cependant, il n'est pas possible d'attribuer un poids plus ou moins important à chacun des trois: il est certain que le jeune Canal prend des idées et des suggestions considérables dans les œuvres des artistes précités et continue entre-temps à perfectionner sa technique. Les premières œuvres qui lui sont attribuées remontent aux années de son séjour à Rome (bien qu'il n'y ait pas de grande certitude): le Santa Maria d'Aracoeli et le Capitole et le Temple d'Antonin et Faustine, œuvres dans lesquelles Giovanni Antonio Canal commence à se familiariser avec le genre de la vue, comme on peut le voir à partir du rendu de perspective impeccable.

Les premières commandes importantes à Venise Modifier

De retour dans sa ville natale, Canaletto prend contact avec les peintres paysagistes vénitiens, parmi lesquels se distinguent les noms de Luca Carlevarijs et Marco Ricci, et commence à se consacrer à plein temps à la peinture des vues: quatre œuvres importantes datent du début des années vingt du XVIIIe. siècle.est alors devenu une partie des collections de la royauté du Liechtenstein: le Grand Canal vers le pont du Rialto, une peinture jouée sur les contrastes entre la lumière et l'ombre, la Bassin de San Marco de Giudecca, une Place Saint-Marc qui représente l'une des premières créations de la place qui sera plus tard l'un des sujets préférés de Canaletto, et le Rio dei Mendicanti, intéressant comme une œuvre représentant un quartier populaire, dans lequel vivait l'un de ses parents Gaspare di Francesco da Canal qu'il épousa en 1709 Anzola del Pio Loco della Pietà, élève d'Antonio Vivaldi. Les deux premiers ouvrages signés datent de 1723 et la date est certaine: il y en a deux Caprices, c'est-à-dire des représentations d'éléments tirés de la réalité avec des éléments de fantaisie, tous deux conservés dans des collections privées.

Grâce à son talent remarquable et à sa technique, qui en l'espace de quelques années avait fait de grands progrès, Canaletto devint rapidement l'un des peintres les plus réussis de Venise et, dans la seconde moitié des années vingt, les commandes commencèrent à augmenter. L'un des premiers clients importants a été le marchand de Lucques Stefano Conti, qui, grâce à la médiation du peintre Alessandro Marchesini, a chargé Canaletto de créer quatre œuvres, dont une vue de Campo Santi Giovanni e Paolo. La première composition de célébration de l'artiste remonte à 1727, le Réception de l'ambassadeur de France au Palais des Doges, conservé au Musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg: c'est le premier d'une longue série d'œuvres qui, décrivant les fêtes de la République de Venise, parviennent à donner une image du luxe et de la splendeur des célébrations de la Sérénissime.

Un autre client important de Canaletto ces dernières années est le maréchal Johann Matthias von der Schulenburg, qui a également servi pour la République de Venise et réformé son armée. Passionné d'art, dans sa résidence de Ca 'Loredan sur les rives du Grand Canal, il a rassemblé une importante collection qui comprenait des œuvres d'artistes tels que Raphael, Correggio, Giorgione, Giulio Romano et d'autres. Schulenburg a commandé à Giovanni Antonio Canal quelques œuvres dont une vue de Corfou, pour célébrer la victoire obtenue par les Allemands sur l'île grecque contre les Ottomans, et un Riva degli Schiavoni maintenant conservé au Musée de Sir John Soane [2] à Londres.

De nombreuses œuvres créées par Canaletto au cours de la première phase de sa carrière, contrairement aux habitudes de l'époque, ont été peintes «d'après nature» (plutôt qu'à partir de croquis et d'études pris sur place puis retravaillés dans l'atelier de l'artiste). Certaines de ses œuvres ultérieures reviennent à cette habitude, suggérée par la tendance à peindre des personnages éloignés comme des éclaboussures de couleur - un effet produit par l'utilisation de la camera obscura, qui brouille les objets éloignés. Cependant, les peintures de Canaletto se distinguent toujours par leur grande précision.

Rencontre avec Joseph Smith Modifier

Ayant acquis une renommée considérable, Canaletto commence à être remarqué par la clientèle anglaise: au XVIIIe siècle, Venise était très populaire auprès des jeunes de l'aristocratie britannique qui faisaient leur Grand Tour, dont la ville lagunaire était l'une des étapes préférées. Canaletto a eu ses premiers contacts avec des clients anglais grâce au soutien d'Owen McSwiny, impresario théâtral irlandais et marchand d'art. En plus des vues, à la fin des années 1920, Canaletto a commencé à expérimenter le genre des représentations festives, parmi lesquelles l'un des chefs-d'œuvre les plus célèbres de l'artiste se distingue à cette période, Le Bucintoro al Molo le jour de l'Ascension, datée de 1729 et maintenant conservée au château de Barnard, en Angleterre. L'œuvre représente ce qui était peut-être la fête la plus ressentie par les Vénitiens, à savoir le mariage de la mer, qui avait lieu chaque année le jour de l'Ascension. Dans le tableau, l'artiste représente le retour du Bucintoro au palais des Doges, avec le grand navire de parade entouré des bateaux de la procession. Les peintures festives de Canaletto sont très spectaculaires et offrent un témoignage tangible de la splendeur des célébrations de la Sérénissime, qui ont continué à s'endormir sur sa splendeur malgré une période de déclin irréversible, qui aurait pris fin, en 1797, avec la fin du millénaire. l'indépendance de la République.

Entre-temps, Giovanni Antonio Canal entre en contact avec Joseph Smith, un personnage qui s'est avéré plus tard décisif pour la carrière de l'artiste. Smith, très riche collectionneur d'art puis consul britannique à Venise entre 1744 et 1760, devient le principal intermédiaire entre Canaletto et les collectionneurs anglais. Smith a d'abord été un client du peintre, l'un des plus riches, et donc pendant les premières années de leur relation, Canaletto a également créé des œuvres d'art pour lui, comme le Régate sur le Grand Canal et un suggestif Intérieur de San Marco la nuit (l'une des rares peintures nocturnes de la production de l'artiste): ce sont deux œuvres de célébration, datant du début des années trente et aujourd'hui conservées dans les collections de la royauté d'Angleterre.

Alors Smith, après avoir été client de l'artiste, joue pour lui le rôle de «mécène» et d'intermédiaire auprès de la riche clientèle anglaise: ceci aussi pour faciliter les relations, étant donné que, selon les sources de l'époque, Canaletto n'avait pas de caractère particulièrement accueillant. L'activité de Joseph Smith atteint son apogée au cours de la seconde moitié des années 1930: d'importants nobles tels que le comte de Fitzwilliam, le duc de Bedford, le duc de Leeds et le comte de Carlisle commencent à demander les peintures de Canaletto.

Des travaux importants tels que Le doge à la fête de San Rocco, une autre œuvre à caractère festif, conservée à la National Gallery de Londres, et une autre vue de la place Saint-Marc, conservée à Cambridge aux États-Unis, intéressante car elle permet une comparaison directe avec la vue qui appartenait à la famille royale du Liechtenstein et permet ainsi de découvrir les progrès réalisés par Canaletto en une dizaine d'années. D'autres travaux, réalisés pour des clients anglais, sont les Riva degli Schiavoni à l'est, datant d'environ 1738-40 et conservé dans les musées du Castello Sforzesco à Milan, une vue de la Piazza San Marco vers le sud-est préservée à Washington et une vue de l'angle nord-est de la place principale de Venise, conservé à Ottawa.

Le déménagement en Angleterre Modifier

Vers 1740, le marché de Canaletto a été considérablement réduit lorsque la guerre de Succession d'Autriche (1741-1748) a entraîné une forte diminution du nombre de visiteurs britanniques à Venise. Smith n'était plus en mesure de garantir le nombre élevé de clients du passé, également parce que désormais tous les clients anglais les plus importants qui fréquentaient Venise avaient acheté un grand nombre d'œuvres de Giovanni Antonio Canal. Joseph Smith ne put donc plus lui garantir des commandes et en 1746 Canaletto décida de s'installer à Londres: l'artiste écrivit une lettre à son premier «agent», Owen McSwiny, lui demandant de le présenter au duc de Richmond, qui entre un autre avait déjà été client de Canaletto dans les années 1920.

Le rond-point de Ranelagh (1754, Londres, National Gallery)

Canaletto a alors commencé à nouer des relations avec ses nouveaux clients, parmi lesquels le prince de Bohême Johann Georg Christian von Lobkowitz et le noble anglais Hugh Percy, futur duc de Northumberland. Accepté avec une méfiance initiale, il parvient tout de même à recevoir plusieurs commandes de l'aristocratie anglaise: parmi les œuvres de ces années on note Badminton Park depuis Badminton House, à partir de 1748, fait pour Charles Somerset, quatrième duc de Beaufort.

C'est une peinture intéressante car elle montre un Canaletto différent: si en fait l'artiste était habitué à peindre les vues urbaines d'une Venise pleine de bâtiments et pleine de gens occupés, en Angleterre Canaletto commence à représenter les paysages calmes typiques sans aucune architecture complexe. des landes anglaises. Certaines peintures telles que Château de Warwick, fait pour Francis Greville Brooke, futur duc de Warwick, et quelques vues de la Tamise, dans lesquelles le peintre pourrait utiliser les artifices qu'il utilisait pour représenter les canaux et les bassins de Venise.

Il est également intéressant de noter une peinture conservée à l'abbaye de Westminster qui représente l'abbaye elle-même avec la procession des chevaliers de l'ordre du bain: c'est une peinture à des fins de célébration dans laquelle Giovanni Antonio Canal pourrait utiliser son expérience acquise en peignant les parties luxueuses de la République de Venise. Après avoir interrompu son séjour anglais pour la première fois en 1750 et une seconde fois en 1753, Canaletto retourne à Londres et établit des relations avec Thomas Hollis, l'un des clients les plus importants de la période anglaise: pour lui l'artiste peint le Pont Walton est L'intérieur de la rotonde de Ranelagh, ce dernier l'un des rares intérieurs réalisés par le peintre.

Le retour à Venise et ces dernières années Modifier

Canaletto retourne dans sa ville natale entre 1756 et 1757 pour ne plus jamais bouger. Les dernières commandes prestigieuses sont celles du marchand allemand Sigismund Streit et celles de la "Solennité des Doges". Pour le premier, client très exigeant, l'artiste crée des toiles dont deux nocturnes évocatrices, la Veillée nocturne à San Pietro di Castello et le Veillée nocturne dans l'Arzère de Santa Marta, tous deux conservés à la Gemäldegalerie de Berlin et datant tous deux d'une période comprise entre 1758 et 1763. Ils font partie des rares nocturnes produites par Giovanni Antonio Canal et représentent les moments forts de deux célébrations importantes: les gens festifs sur les bateaux et sur les rives ne sont éclairés que par la douce lumière de la lune. Pour les solennités des Doges, l'artiste crée un cycle de dessins achevé en 1766.

Au cours de la dernière phase de sa carrière, Canaletto approfondit le thème du capriccio, déjà abordé dans sa jeunesse: important en ce sens est le célèbre Capriccio palladien, conservé à la Galerie nationale de Parme et datant d'une période comprise entre 1756 et 1759: il s'agit d'une vue du quartier du Rialto avec le pont représenté selon le projet d'Andrea Palladio et avec la basilique palladienne de Vicence. L'œuvre combine des éléments réels (le quartier du Rialto) avec des éléments tout aussi réels mais situés ailleurs (la basilique de Vicence) et des éléments fantastiques (le pont du Rialto selon le projet palladien), et est également intéressante car elle permet de voir comment elle le ferait. ont été le quartier du Rialto si le projet d'Andrea Palladio avait été choisi plutôt que celui d'Antonio da Ponte.

En 1763, Giovanni Antonio Canal a été nommé membre de l'Académie vénitienne de peinture et de sculpture, et à partir de ce moment, il n'y a plus d'informations certaines sur son activité: il est probable qu'il a continué à peindre jusqu'à sa mort, qui a eu lieu en avril 19 1768, après "un long mal compatissant" - note Gradenigo dans Notateurs - dans sa maison de Corte della Perina, qui existe toujours, entourée de l'affection de sa famille, et a été enterrée dans l'église de San Lio à Venise, la tradition veut que sa tombe se trouve sous le sol de la Cappella du XVe siècle Gussoni, dans l'église de San Lio (Pelusi, 2007).

Entre-temps, au cours de ces années, Joseph Smith vend une grande partie de sa collection au roi George III, qui a ainsi l'occasion de créer la base de l'importante collection de peintures de Canaletto appartenant à la Royal Collection. Il existe de nombreuses peintures de l'artiste dans d'autres collections britanniques, dont la Wallace Collection à Londres, ainsi qu'un ensemble d'une vingtaine d'œuvres dans la salle à manger de l'abbaye de Woburn, dans le Bedfordshire.

La fortune critique de Canaletto a connu des phases alternées: il y a eu et il y a des critiques qui l'apprécient inconditionnellement, tandis qu'il y a d'autres critiques qui se sont exprimés d'une manière peu tendre envers lui. En effet, selon certains, Canaletto n'est rien de plus qu'un «peintre-photographe», un reproducteur mécanique de la réalité environnante (Cottino, 1991).

Le premier à donner un avis sur lui est Anton Maria Zanetti, un érudit vénitien: dans l'un de ses ouvrages de 1733, intitulé Description de toutes les peintures publiques de la ville de Venise et des îles environnantes, Zanetti définit Canaletto comme peintre de vues, à qui, en intelligence, en goût et en vérité, peu du passé et aucun de ceux présents ne se rapprochent. Un autre contemporain, Charles de Brosses, dit dans son Lettres familières de 1739 que la spécialité de Giovanni Antonio Canal est de peindre les vues de Venise dans ce genre surpasse tout ce qui a jamais existé. Sa manière est lumineuse, gaie, vive, transparente et admirablement méticuleuse.

Luigi Lanzi dans son célèbre Histoire picturale de l'Italie de 1831, dit l'artiste utilise une certaine liberté pittoresque, mais sobrement et de telle manière que le spectateur ordinaire y trouve la nature et que les intendants y remarquent de l'art, art que selon Lanzi le Canaletto possédé à un degré éminent. Le XIXe siècle s'avère être le siècle où la fortune critique de l'artiste tombe à des «creux historiques»: l'art de Canaletto en particulier est littéralement écrasé par John Ruskin dans son œuvre Peintres modernes, publié en quatre éditions (la première date de 1843. Ruskin dit: Le maniérisme de Canaletto est le plus dégradé que je connaisse dans tout le monde de l'art. Exerçant l'imitation la plus servile et la plus insensée, il n'imite que le vide des ombres, et offre des ornements architecturaux individuels, aussi précis et proches soient-ils [. ]: c'est un petit, mauvais peintre.

Niccolò Tommaseo, dans son travail Beauté et civilisation à partir de 1857, il propose un portrait singulier du peintre vénitien, essayant de ne pas exagérer: refuser l'éloge à un tel artiste, qui vivait dans des temps si misérables, que lorsque l'art périssait partout, il ajoutait une nouvelle couronne à l'Italie, ce serait une injustice mais de submerger d'éloges, et ce qu'il touchait, pour dire le plus haut de l'art ce serait de la folie. Tommaseo conclut en disant que Canaletto, un artiste talentueux, n'est qu'une partie de l'artiste: c'est parce que selon Tommaseo l'art est né pour ne pas être un imitateur de l'art [. ] mais pour illustrer la nature et la renouveler avec une généreuse affection. Tommaseo tente de donner à Canaletto le mérite d'avoir été un artiste sincère à une époque corrompue, mais souligne néanmoins toutes les limites de la peinture de paysage, en particulier les vues architecturales (Pelusi, 2007).

Gino Damerini, dans la monographie de 1912 consacrée à Francesco Guardi, reconnaît la supériorité de ce dernier sur Canaletto: Regardez, en fait, il prend possession de notre esprit alors que notre esprit trouve déjà Canaletto désuet ou trop rigide. L'interprétation de Gino Fogolari est plus positive que dans l'opéra Le XVIIIe siècle italien de 1932 dit que en donnant du sens aux vues et dans la coupe du tableau et dans la perspective, il est un bâtisseur, tout comme il est un poète de la lumière en conservant toute la clarté solaire au loin.

À partir de la seconde moitié du XXe siècle, les opinions sur l'art de Canaletto ont commencé à devenir de plus en plus positives, à commencer par celle de Roberto Longhi qui l'appelait en 1946 le grand canal Antonio. En 1967, Pietro Zampetti, à l'opéra Peintres paysagistes vénitiens du XVIIIe siècle, décrit Canaletto comme le premier véritable paysagiste, en raison de sa nouvelle force et de son nouveau sens de la nature: enfin la vision pure est née, la réalité franche et sincère, le sens des choses scruté dans leur essence la plus vraie et la plus profonde. De plus, de nombreux historiens de l'art ont récemment commencé à se distancer de la critique qui voit Canaletto comme un "peintre-photographe": par exemple, en 1974, André Corboz dit que La surestimation par Canaletto de la valeur «objective» était la conséquence d'une mentalité positiviste dont les insuffisances ont longtemps été soulignées par les critiques. La ligne qui évalue la rigueur de la perspective de Canaletto dans une clé positive a également trouvé confirmation dans les développements les plus récents de la critique: la rigueur d'un cadre de perspective précis, un espace librement compris, précis dans les détails mais pas fidèle à la vérité, une peinture dissoute dans un souffle de poésie très personnelle sont les caractéristiques de l'art de Canaletto selon Alessandro Bettagno (Canaletto premier chemin, 2001).

Gérard Genette (La cour du tailleur de pierre, 2005), identifie deux niveaux dans Canaletto: un "premier niveau", celui des raisons les plus évidentes et immédiates d'admiration - par exemple, la principale séduction de l'objet peint: "beau" paysage, modèle fascinant - et un second, celui qui concerne un objet qui ne signifierait rien à l'admiration esthétique, a priori et indépendamment du fait que le peintre le reproduit à travers son propre traitement pictural. Le «caractère secondaire» spécifique de Genette, qui préfère «l'atelier de marbre à San Vidal» au «retour du Bucintoro», dépend du caractère secondaire général qui consiste à préférer, en tout cas, ce qu'Arthur Danto a à séduire immédiatement. objets, dans une perspective différente, appelée la «transfiguration du banal», c'est-à-dire la manière dont l'art du peintre s'exerce et se manifeste sur un objet que l'observateur profane aurait peut-être jugé moins digne de son attention et de son intérêt (Pelusi , 2007).


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Réalisateur - Je suis né pianiste et je continue en tant qu'artiste! Pouquoi? Parce que je brise le moule et commence à vivre mes jours et mon art à 360 degrés sans fixer de limites, de barrières et surtout de laisser les potins et les critiques comme une fin en soi aux idiots. J'ai commencé une nouvelle vie à 40 ans mais comme on dit. Mieux vaut tard que jamais!!


Maurizio Cattelan: biographie

Maurizio Cattelan est né en Padoue le 21 septembre 1960 d'une famille aux origines modestes: son père Paolo est chauffeur de camion, sa mère Pierina est femme de ménage. Il est le fils unique de quatre enfants (il a trois sœurs: Luisella, Giada et Cristina). Après avoir abandonné l'école et commencé à travailler à seulement 17 ans pour les besoins de la famille (bien qu'il puisse obtenir son diplôme plus tard dans la soirée), en effectuant des petits boulots en tant que jardinier ou électricien, l'artiste s'est formé en autodidacte. Forlм est Bologne dans les années quatre-vingt, fréquentant les environnements deAcadémie des Beaux-Arts de la capitale émilienne même sans suivre les cours et sans s'inscrire aux cours. En fait, cependant, Cattelan ne reçoit pas de formation traditionnelle: plutôt, étudiez et apprenez en observant. Toujours dans les années quatre-vingt, à Forlм, l'artiste a commencé à travailler à la conception et à la production de meubles en bois. Ses débuts «artistiques» ont lieu relativement tard: la toute première œuvre, Sans titre, date de 1986 et est une sorte de "réinterprétation" des coupes de Fontana (avec les entailles disposées pour former une sorte de Z de Zorro), et à partir de 1989 un travail photographique intitulé Lexique de la famille empruntant le titre du roman bien connu de Natalia Ginzburg (и il premier des innombrables autoportraits de Cattelan). Au lieu de cela, ses débuts en exposition remontent à 1991. Cette année-là, Cattelan a réussi à écraser un Art Fair, la plus ancienne foire d'art moderne et contemporain d'Italie, présentant un «stand abusif» dans lequel elle vendait des gadgets d'une équipe de football fictive, l'A.C. Forniture Sud En 1991 également, l'artiste expose pour la première fois en modo. pas abusif, avec le projet Stade à l’époque Galleria d’Arte Moderna de Bologne, aujourd’hui MAMbo (le projet consistait en un immense baby-foot auquel onze joueurs de chaque côté pouvaient jouer et organisait un match en direct au musée).

En 1993, il a été invité à la Biennale de Venise, où il provoque déjà le public avec l'oeuvre Travailler est un mauvais travail: en pratique, Cattelan loue l'espace qui lui est réservé à une agence de publicité. Dans les années 1990, il a travaillé sur des œuvres célèbres utilisant des taxidermies (Bidibidobidiboo de 1996, ou le très célèbre XXe siècle de 1997), pour arriver à 1999 avec le chef-d'œuvre emblématique La neuvième heure, la sculpture représentant le pape Jean-Paul II frappé par une météorite. Toujours dans la même année, pour l'opéra Un jour parfait l'artiste colle son galeriste Massimo De Carlo (qui, de plus, devra être secouru à la fin du performance). Encore une fois, en 1999, il organise une fausse «Biennale des Caraïbes», créant même un catalogue et organisant une conférence de presse (alors qu'une véritable approche curatoriale arrive en 2006, lorsque, avec Massimiliano Gioni et Ali Subotnick, il dirige la Biennale de Berlin).

En 2001, Cattelan a déconcerté le public artistique et pas seulement en créant la sculpture Lui, qui représente Adolf Hitler déterminé à prier à genoux: l'œuvre est vendue aux enchères par Christie's pour la somme de plus de 17 millions de dollars. Il y a encore un scandale en 2004, lorsque l'artiste vénitien accroche un Milan, près de Porta Ticinese, les mannequins de quelques enfants pendus, et à nouveau à Milan, en 2010, il a installé l'œuvre L'AMOUR., le fameux «majeur» devant la bourse de Piazza Affari, le doigt pointé non pas vers la bourse, mais de cette dernière vers la place, donc vers la ville. En 2010, l'artiste a fondé le magazine Papier toilette, et l'année suivante, il participe à la Biennale de Venise en se présentant avec deux mille pigeons empaillés: la même année au Guggenheim de New York, il y a une grande exposition avec 130 de ses œuvres liées au plafond. En 2013, il est devenu le protagoniste d'une farce à l'Académie des Beaux-Arts de Bologne, qui lui a décerné le prix Francesca Alinovi. L'artiste envoie le duo comique de Les idiots habituels (Fabrizio Biggio et Francesco Mandelli) qui donnent naissance à un performance farceur, suscitant l'indignation du critique Renato Barilli, qui avait exaspéré Cattelan jusqu'à peu de temps avant l'intervention des deux comédiens.

Parmi les œuvres les plus récentes de Cattelan figurent les très célèbres Amérique, une toilette plaquée or 18 carats exposée pour la première fois au Guggenheim de New York et volée en 2019 en Angleterre lors d'une exposition au palais de Blenheim Éternité, un cimetière provocateur avec les tombes d'artistes de toute l'histoire de l'art, dont celle de Cattelan Comédien, la banane accrochée au mur avec du ruban adhésif qui a secoué le monde entier fin 2019. Parmi les prix reçus, le diplôme honorifique en sociologie de l'Université de Trente (2004), le prix pour l'ensemble de ses réalisations du XV Quadriennale d'Arte à Rome (2008) et le titre de professeur honoraire en sculpture à l'Académie des Beaux-Arts de Carrare (2017).

Maurizio Cattelan, Travailler est un mauvais travail (1993)

Maurizio Cattelan, Un jour parfait (1999)

Maurizio Cattelan, Amérique (Or 18 carats 2016)

Maurizio Cattelan, Éternité (2018)


LA RENAISSANCE EN 10 OEUVRES D'ART

1. Piero della Francesca, Flagellation du Christ, 1455-1460, Palais Ducal d'Urbino

Une œuvre fascinante et mystérieuse, où l'attention de Piero della Francesca perspective et le géométrie. Ce grand artiste de la Renaissance était en fait aussi un mathématicien talentueux: on lui doit le manuel de calcul intitulé Traité sur l'abaque, le De prospectiva pingendi et le De quinque corporibus regularibus.

La flagellation du Christ alors gardez un énigme ce qui n'a pas encore été clarifié: qui sont les trois personnages au premier plan? Il y a ceux qui soutiennent que l'interprétation de l'image est liée aux événements politiques de l'époque, mais il n'y a pas de certitude définitive.

2. Mantegna, Dead Christ, 1475-1478, Brera Art Gallery à Milan

Il s'agit également d'une œuvre du début de la Renaissance, qui anticipe certaines caractéristiques. Dans ce cas également, il y a une utilisation originale de la perspective, le sujet étant pris d'un 'angle inhabituel ce qui donne au spectateur l'impression de participer directement à la scène, comme s'il se tenait aux pieds du Christ couché.

En plus de cette raison, l'œuvre est révolutionnaire car elle donne une représentation inédite du Christ mort qui dans cette œuvre apparaît comme un être humain ordinaire abattu, comme en témoignent les blessures au premier plan. On est donc loin des représentations symboliques du Christ à l'époque médiévale.

3. Anonyme, La ville idéale, 1480-1490, Galerie nationale des Marches à Urbino

Si l'œuvre de Piero della Francesca paraissait mystérieuse, c'est d'autant plus vrai que l'auteur est inconnu. On sait certainement que l'œuvre a été créée dans le cadre de la cour d'Urbino de Federico da Montefeltro, fréquentée par des artistes tels que Piero della Francesca ou Francesco di Giorgio Martini.

L'œuvre est un exemple magistral de l'utilisation du perspective centrale appliquée à un paysage, elle frappe aussi par l'absence de figures humaines, comme cela se produira des siècles plus tard sur les célèbres places métaphysiques d'un autre grand artiste italien: Giorgio de Chirico.

4. Sandro Botticelli, Naissance de Vénus, 1483-1485, Galerie des Offices à Florence

C'est certainement l'une des œuvres les plus emblématiques de la Renaissance et l'un des chefs-d'œuvre de l'art mondial. J'avoue que le voir en direct, avec ses presque deux mètres sur trois, est quelque chose qui vous laisse sans voix. Outre la maîtrise avec laquelle Botticelli dépeint la naissance de Vénus, l'œuvre est frappante car elle semble conduire le visiteur dans un monde idéal, où la grâce et l'harmonie dominent.

Ensuite, voulant être pointilleux, il faut dire que Vénus, bien que merveilleuse, n'a pas d'omoplates ni de sternum, le buste est trop long et le nombril est trop haut. Probablement, si elle était réelle, elle ne survivrait pas longtemps (un peu comme Barbie). Mais qui fait attention à ces détails en présence d'un visage et d'un regard d'une beauté incomparable?

5. Michelangelo, David, 1501-1504, Galeries de l'Académie à Florence

C'est aussi une œuvre emblématique de la Renaissance, aussi pour sa signification: le petit qui défie le grand, la république qui défie la tyrannie. Aujourd'hui, selon toute probabilité, il est là sculpture la plus célèbre au monde, mais à l'époque, il y avait une vive controverse sur son emplacement, à tel point qu'un comité a été mis en place pour discuter de la question. Il a été dirigé par Leonardo qui a proposé de placer le David sotto la loggia dei Lanzi, al coperto e protetta Michelangelo voleva invece che la statua fosse collocata ai piedi di Palazzo Vecchio, dove avrebbe goduto di maggiore visibilità.

Oggi l’opera di trova presso le Gallerie dell’Accademia, a Firenze. Ai piedi di Palazzo Vecchio, in piazza della Signoria è invece possibile ammirare una copia dell’opera.

6. Leonardo da Vinci, Gioconda, 1503-1504, Museo del Louvre a Parigi

Se il David è la scultura più famosa di sempre, di sicuro questo è il dipinto più conosciuto al mondo. È considerata una delle opere più importanti di sempre per almeno tre motivi: per l’enigmatico sorriso della Monna Lisa per la posa di tre quarti assolutamente originale per l’epoca, che conferisce dinamicità alla composizione per la cura del paesaggio sullo sfondo, reso con pennellate delicate e attente.

A proposito della Gioconda, voglio sfatare un mito: i francesi non hanno mai rubato quell’opera, la porto con sé lo stesso Leonardo quando lasciò l’Italia per andare a Parigi. Fu invece un italiano a rubare il dipinto nel 1911. Si chiamava Vincenzo Peruggia e commise il crimine per “patriottismo artistico”, come spiegò in tribunale.

7. Raffaello Sanzio, Sposalizio della Vergine, 1504, Pinacoteca di Brera a Milano

Il dipinto fu eseguito nel 1504 per la cappella di San Giuseppe nella chiesa di San Francesco a Città di Castello. È la prima opera firmata da Raffaello che scelse di apporre la firma in un luogo particolare: sull’arco che domina l’ingresso del tempo che vediamo sullo sfondo.

Nell’opera appare evidente la grande attenzione posta dall’artista alla prospettiva, evidenziata dalla grandezza diversa dei personaggi presenti all’interno del dipinto. Inoltre, è già evidente la ricerca della bellezza ideale, che sarà un tema ricorrente anche nelle opere successive del maestro urbinate.

8. Michelangelo, Volta della Cappella Sistina, 1508-1512, Musei Vaticani a Città del Vaticano

Si tratta di un’opera monumentale, che a vederla toglie il fiato. Michelangelo realizzò questo ciclo di affreschi dal 1508 al 1512 su incarico del papa Giulio II. L’artista realizzò l’opera a tempo record, se consideriamo che i dipinti coprono una superficie di 500 metri quadri!

Il dettaglio più celebre della volta è sicuramente La creazione di Adamo e il dettaglio degli indici alzati e delle braccia protese dei due protagonisti, diventati un’icona che ha travalicato il mondo dell’arte (ricordate i vecchi telefoni Nokia?).

9. Raffaello Sanzio, Stanza della segnatura, 1509-1511, Musei Vaticani a Città del Vaticano

Anche quest’opera fu commissionata da papa Giulio II. Raffaello aveva solo venticinque anni quando il papa lo convocò per affrescare le sue stanze. L’artista si mostrò all’altezza dell’incarico e decorò le stanze ispirandosi alle quattro facoltà delle università medievali: teologia, filosofia, poesia e giurisprudenza. Il risultato? Una delle opere più famose del Rinascimento.

Nell’opera Raffaello ha dato ad alcuni sapienti del mondo classico le fattezze dei più grandi artisti del suo tempo: Eraclito (aggiunto in un secondo momento) infatti somiglia moltissimo a Michelangelo, Platone a Leonardo da Vinci e Euclide a Bramante.

10. Tiziano, Amor sacro e Amor profano, 1514, Galleria Borghese a Roma

È uno dei capolavori del maestro veneto, che colpisce per l’uso sapiente dei colori e l’attenzione maniacale ai piccoli dettagli. Se scrutate il dipinto con attenzione ne troverete parecchi: piccoli racconti nel racconto.

L’artista dipinge due donne identiche tra loro per fisionomia ma diverse per abiti ed atteggiamento. Una infatti è quasi nuda (l’Amor profano), l’altra è completamente vestita (l’Amor sacro). Una delle chiavi interpretative dell’opera vede in questa somiglianza/differenza la rappresentazione della dualità dell’amore, al contempo divino e carnale.


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